Art deco – czym charakteryzują się obrazy tworzone w tym stylu?

Art deco to styl, który w latach 20. ubiegłego wieku zdominował absolutnie każdą sferę twórczości: malowane obrazy, aranżacje wnętrz, projekty strojów i ceramiki, bryły budynków. Czym tak naprawdę wyróżniał się ten kierunek w sztuce i za co kochają go przedstawiciele malarstwa współczesnego? Poznaj magię art deco!

Czym jest art deco i co oznacza ta nazwa?

Art deco to kierunek w sztuce, który rozwijał się w latach 20. oraz 30. XX wieku. Jego głównym założeniem było tworzenie sztuki użytecznej, ale jednocześnie pięknej, a sama nazwa pochodzi od wystawy zaprezentowanej w 1925 roku, zatytułowanej „Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes”, co przetłumaczyć można jako „Międzynarodową Wystawę Sztuk Dekoracyjnych i Przemysłu Współczesnego”. Nurt pełnymi garściami czerpał z dokonań Bauhausu, opartych na relacji twórczości i przemysłu. Jego cechy charakterystyczne to proste, zgeometryzowane formy, kontrastowa kolorystyka z dominującymi odcieniami kamieni szlachetnych (takich jak szmaragd, rubin, kryształ, ale też czerń i ciemny brąz). Typowe dla art deco było też czerpanie inspiracji z całego świata, z różnych epok, na przykład klasyki i orientu, sztuki ludowej i kubizmu. Wyrażało się to nie tylko w tworzeniu obrazów na płótnie, ale też biżuterii, projektach architektonicznych, aranżacji wnętrz, scenografii scenicznej, meblach i na wielu innych płaszczyznach.

Obraz Światło i cień Joanna Sułek-Malinowska
Joanna Sułek-Malinowska
„Światło i cień”

Art deco dzisiaj, czyli sztuka nowoczesna, która patrzy w przeszłość

Współcześni artyści, tworząc swoje obrazy, nawiązują do art deco na szereg różnych sposobów. Pierwszy z nich jest czysto dekoracyjny, abstrakcyjny. Anna Kurczewska na przykład jest autorką oleju „Mozaika”, przedstawiającego intrygujący, geometryczny wzór rodem z posadzek w paryskich kamienicach z lat 20. XX wieku. Joanna Sułek-Malinowska skupiła się z kolei na kolorystyce. Przenikające się plamy głębokich barw kojarzą się ze wzorami na ceramice art deco. Katia Meller swój malowany akwarelą portret wzbogaciła o złote ornamenty, które są jednym ze znaków rozpoznawczych tego kierunku w sztuce.

Obraz Moje ArtDeco1 Katia Meller
Katia Meller
Moje ArtDeco1

Do art deco mogą też nawiązywać pejzaże czy ludzkie postaci jak w przypadku obrazów malowanych przez Agatę Padol. W „Ażurowej sukni” czy „Drzewach piniowych” pojawia się typowa dla tego nurtu dekoracyjna kreska i wysmakowana paleta barw.

Art deco to jeden z najbardziej stylowych, szlachetnych kierunków, dających podwaliny sztuki nowoczesnej o użytkowej funkcji. Charakterystyczne geometryczne linie i mocna, kontrastowa kolorystyka nadal inspirują malarzy, którzy Tworzą w duchu art deco swoje obrazy na płótnie czy grafiki.

Obraz Tamary Łempickiej sprzedany za rekordową sumę!

Właśnie padł rekord, jeśli chodzi o kwotę wydaną na obraz polskiego artysty. A właściwie artystki, bo mowa o Tamarze Łempickiej, intrygującej malarce art deco. Kim jest ta postać, jaki jest jej wpływ na malarstwo współczesne i za ile sprzedano „La Tunique Rose”?

Rekordowa Łempicka

W listopadzie tego roku najdroższą pracą polskiego artysty został olej „La Tunique Rose” Tamary Łempickiej, przedstawiający leżącą kobietę w czerwonej tunice. Sprzedany został na aukcji w nowojorskim Sotheby’s za sumę 13,4 miliona dolarów, czyli 50 milionów złotych. To zresztą kolejny rekord, który historia dopisuje właśnie do dorobku Łempickiej. Dokładne rok temu, w listopadzie 2018 roku, w domu aukcyjnym Christie’s w Nowym Jorku obraz polskiej artystki „La Musicienne” z 1929 roku sprzedano za rekordową kwotę ponad 9,087,500 dolarów, czyli ponad 34 miliony złotych. Tym samym Łempicka drugi raz pobiła „Macierzyństwo” Stanisława Wyspiańskiego, które w 2017 roku sprzedano za kwotę 4 milionów złotych.

La tunique rose Tamara Łempicka
„La Tunique Rose, Tamara Łempicka, 1927 rok ( fot. Sotheby’s)

Aktualnie najdroższym obrazem świata nadal pozostaje „Salvator Mundi” („Zbawiciel Świata”), uznawany za dzieło Leonarda da Vinci. W listopadzie 2017 roku za płótno o wymiarach 66 cm x 45 cm zapłacono 450 milionów dolarów, a nabywcy nie odstraszyły wątpliwości dotyczące jego autorstwa.

Tamara Łempicka – kim jest malarka, która pobiła rekord sprzedaży?

Tamara Łempicka to jedna z najsłynniejszych malarek, ikona przedwojennej bohemy i symbol wyzwolonej kobiecości. Tak naprawdę nazywała się Maria Gurwik-Górska, a znana była z obrazów malowanych zgodnie z założeniami art deco. Charakterystyczne dla jej twórczości były kubiczne, proste formy, nasycone kolory, gładka powierzchnia płótna. Urodziła się pod koniec XIX wieku w Moskwie, jako córka Polki i rosyjskiego Żyda, ale cały życie podkreślała, że czuje się Polką. Po rewolucji październikowej wyemigrowała do Paryża, gdzie sama nauczyła się malować. Kiedy w latach 30. w Europie do władzy doszli faszyści, wyemigrowała za ocean, gdzie po II wojnie światowej stała się wziętą portrecistką gwiazd Hollywood oraz salonową bywalczynią. Najsłynniejsze obrazy olejne jej autorstwa to między innymi „Adam i Ewa” czy „Tamara w zielonym Bugatti”. Co ciekawe, w schyłkowym okresie swojej twórczości, Łempicka zainteresowała się malarstwem współczesnym o ekspresjonistycznym charakterze oraz zaczęła tworzyć monochromatyczne dzieła w odcieniach brązu, ale nie zostały one dobrze przyjęte przez krytykę, więc słynna polska malarka zrezygnowała z ich wystawiania.

Dzieło Banksy’ego zniszczone! Zobacz, co stało się z pracą najsłynniejszego ulicznego twórcy

Banksy to człowiek zagadka. Jego prace to nie obrazy olejne, a murale, pojawiające się na ulicach miast na całym świecie. Jak dotąd nikt nie potwierdził jego tożsamości, chociaż wielu próbowało “przyłapać” go podczas pracy. Kontrowersyjny brytyjski artysta street artowy często za pomocą swoich projektów porusza skrajnie trudne tematy. Jedna z prac Banksy’ego właśnie została zniszczona.

Kim jest Banksy?

Nikt tak naprawdę nie wie, kim jest Banksy, chociaż to jedna z najgłośniejszych osobowości w świecie sztuki nowoczesnej. Od lat skutecznie chroni swoją tożsamość. Tajemniczość artysty sprawia, że zainteresowanie jego twórczością cały czas przybiera na sile. Domeną Banksy’ego są street artowe prace wykonane na murach miast w technice szablonu. Jednym z najpopularniejszych motywów była seria szczurów, zatytułowana „Rat Art”. Zwierzęta symbolizowały sztukę, która miała rozlać się na ulice tak, jak one. Banksy w swoich pracach porusza różne tematy, od błahych po bardzo poważne, takie jak nadmierna konsumpcja, kapitalizm, społeczna niesprawiedliwość, polityka.

Twórczość Banksy’ego wpływa również na artystów, tworzących obrazy olejne czy akryle. Wybór zainspirowanych street artem dzieł, jakie znajdziesz w naszej internetowej galerii sztuki, jest tego najlepszym przykładem.

Praca Banksy’ego w opałach

W listopadzie świat sztuki zmroziła informacja o największej od 50 lat powodzi w Wenecji, która kompletnie zalała mural Banksy’ego, przedstawiający postać uchodźcy w kamizelce ratunkowej, który znajduje się na ścianie zabytkowego budynku w pobliżu Campo Santa Margherita. Rzecznik ministra dziedzictwa kulturowego Włoch poinformował jednak, że w pierwszej kolejności zajmie się stanem Placu Świętego Marka, Bazyliki Świętego Marka czy innymi zabytkami, z których słynie miasto.

Mural Banksy'go zalany w Wenecji
Mural Banksy’ego zalany w Wenecji Fot. Luca Bruno / AP

Myślicie, że zniszczenie pracy w Wenecji zmartwi Banksy’ego? Cóż, trudno powiedzieć. W 2018 roku w londyńskim domu aukcyjnym Sotheby’s doszło do samozniszczenia sprzedanej za 1,2 miliona dolarów „Dziewczynki z balonem”. Mówi się, że to sam brytyjski twórca jest odpowiedzialny za zamontowanie w ramie obrazu niszczarki.

W Wenecji sytuacja jest dramatyczna. Jak powiedział Polskiej Agencji Prasowej dr Marek Kasprzak z Uniwersytetu Wrocławskiego, bez odpowiednich działań zapobiegawczych „przyszłość miasta rysuje się w czarnych barwach”.

Jesienna melancholia w sztuce

Co może być bardziej inspirującego od jesieni, najbardziej nastrojowej i sprzyjającej refleksji pory roku? To właśnie wtedy, kiedy liście spadają z drzew wraz z temperaturą, rodzą się najpiękniejsze pomysły. Dla artystów jesień jest niekończącym się źródłem natchnienia. Zobacz, w jaki sposób, wykorzystują jej potencjał na przykładzie obrazów z naszej internetowej galerii sztuki.

Jesień, jako jedna z nas, czyli uosobienie pory roku

Już najmłodsze dzieci personifikują jesień na swoich rysunkach, przedstawiając ją jako damę z naręczem jabłek, w kapeluszu ozdobionym winogronami i suchymi liśćmi. Z tych fantazji nie rezygnują współcześni artyści. Sztuka nowoczesna też składa hołd poetyckiemu podejściu do tej szczególnej pory roku. W naszej internetowej galerii sztuki znajdziesz niezwykłe propozycje obrazów, które przedstawiają jesień w ludzkiej postaci. Przykładem może być, chociażby grafika Agnieszki Sukiennik „Jesień” czy akryl Ani Stępień. Bo czy akt kobiecy z listkiem klonu na podbrzuszu to na pewno tylko oddanie na płótnie wizerunku modelki?

Obraz Jesień Ania Stępień
Akryl Ani Stępień „Jesień”

Jesienne pejzaże, które zbudują nastrój

Szukasz obrazów, które wniosą powiew świeżości do Twojego domu i sprawią, że zachwyceni goście nie będą mogli oderwać wzroku od aranżacji wnętrza salonu czy jadalni? Wybierz pejzaże z jesiennym motywem, które można eksponować w prywatnej kolekcji nie tylko o tej porze roku. Zobacz, na jak wiele sposobów widoki przygotowującej się do nadejścia zimy przyrody interpretują artyści. Sztuka nowoczesna to nie tylko realistyczne obrazy olejne, takie jak „Jesień” Krzysztofa Tracza, przypominające pocztówkę z lasu. Pejzaże mogą mieć też mniej oczywisty charakter jak w przypadku abstrakcyjnego obrazu Elżbiety Czerwińskiej.

Jesień Elżbieta Czerwińska
„Jesień” Elżbiety Czerwińskiej

Ciekawą propozycją jest obraz na ścianę „Jesień V” Agnieszki Świerczek. To praca przedstawiająca widok jeziora, rozpościerający się zza nagich gałęzi drzew, których skomplikowany układ nabiera wręcz geometrycznego charakteru. Jak się okazuje, jesień może być nie tylko romantyczna, ale również intrygująca.

Jesień ma niezwykły urok. Wydaje się, że spadająca temperatura sprzyja kreatywności, bo w chłodne i mgliste dni listopada artyści bywają szczególnie natchnieni. Zobacz obrazy na płótnie z motywem tej wyjątkowej pory roku i pokochaj na nowo zimne, mgliste poranki oraz słońce przedzierające się przez nagie korony drzew. Czy nie uważasz, podobnie jak współcześni malarze, że to najlepsze źródło westchnień i refleksji?

Fantasmagorie – obrazy, w których sen miesza się z rzeczywistością

Kiedy zasypiamy, ale nadal jesteśmy świadomi tego, co wokół nas się dzieje, pod naszymi powiekami tworzą się najbardziej fascynujące obrazy. Takie fantasmagorie, które łączą rzeczywistość ze światem snu to jeden z ulubionych motywów współczesnych artystów. Dlaczego warto znaleźć dla nich miejsce, nie tylko na ścianie sypialni? Przekonajcie się!

Między jawą a snem

Motyw snu fascynuje artystów od zarania dziejów. To przestrzeń, w której nasz umysł odpoczywa, pozwalając sobie na niczym nieograniczone fantazjowanie. Wiele osób wierzy, że marzenia senne mogą przynieść odpowiedzi na nurtujące nas za dnia pytania albo… pozwolić nam przewidzieć przyszłość. To, co dzieje się przed momentem przebudzenia, jest szczególnie interesujące dla malarzy surrealistycznych, ale nie tylko. Jak temat snu wpływa na sztukę współczesną? Sprawdźmy na przykładzie prac z naszej galerii obrazów.

Piotr Gola - Sen o rzeczywistości
Piotr Gola – Sen o rzeczywistości

 

Obrazy malowane a świat fantazji

Nowoczesne obrazy malowane przedstawiają wiele różnych interpretacji motywu snu i sennych marzeń. Pojawiają się na nich postaci ludzkie, często potraktowane umownie, jak w „Śnie o rzeczywistości” Piotra Goli, ale też rzeczy, które mogą się wydarzyć jedynie we śnie lub w dziecięcych opowieściach. Przykład? Akryl „Opuszczam miasto” Małgorzaty Łodygowskiej, przedstawiający kobietę trzymającą za wodze konia lecącego w powietrzu nad domami i zupełnie niezainteresowanego tą sceną psa.

Małgorzata Łodygowska - Opuszczam miasto
Małgorzata Łodygowska – Opuszczam miasto

Oniryzm, marzenia senne, dwuznaczności i symbole – takie obrazy malowane, wyeksponowane w przestrzeni mieszkania, nie tylko pobudzają wyobraźnię, ale też rozwijają wrażliwość. Zajrzyj do naszej galerii obrazów i znajdź pracę, która najlepiej odda Twoje podejście do tematu nocnych fantazji.

Akty w twórczości Jerzego Nowosielskiego

Jerzy Nowosielski jest jedną z najwybitniejszych postaci polskiej sztuki. Nie tylko pisał genialne ikony, ale był też autorem aktów, tworzonych w technice sitodruku. Co sprawia, że każdy miłośnik sztuki współczesnej powinien je mieć w swojej kolekcji?

Sitodruk – czym charakteryzuje się ta technika?

Sitodruk to technika druku, w której formą drukową jest szablon nałożony na drobną siatkę tkaną (metalową bądź z włókien syntetycznych). Odbijanie polega na przetłaczaniu farby przez matrycę. Tworzone w ten sposób prace cechuje intensywność koloru, trwałość, ale też szerokie zastosowanie (można odbijać nie tylko na papierze, ale też, chociażby na tkaninie). Technikę serigrafii (czyli sitodruku) szczególnie upodobała sobie sztuka nowoczesna.

Wielbicielem techniki serigrafii był między innymi wybitny polski artysta, grafik, filozof i pisarz ikon, Jerzy Nowosielski. Zafascynowany liturgią wschodnią, głównie religijnym motywom poświęcał swoją twórczość. Jak sam mawiał: “Malowanie obrazów to jest przygotowywanie sobie przestrzeni, w której będziemy musieli żyć po śmierci, to jest budowanie sobie mieszkania”.

Kobiety Jerzego Nowosielskiego

Jerzy Nowosielski uznawany jest za jednego z najwybitniejszych pisarzy ikon, zdobiących między innymi cerkiew w Górowie Iławeckim. Charakterystyczne dla tego rodzaju malowideł płaskie plamy barwne obwodzone konturem można odnaleźć również w pracach Nowosielskiego, tworzonych w technice serigrafii. Ich częstym motywem są akty kobiece. Pozbawione typowej zmysłowości, są metafizyczne, symboliczne, uduchowione. Utrzymane w subtelnej kolorystyce, posiadają niezwykle poetycki, skłaniający do refleksji sznyt.

Metafizyka aktu

Jedną z najpiękniejszych prac Jerzego Nowosielskiego jest serigrafia „Akt z lusterkiem”, przedstawiająca kobietę, oglądającą się w małym prostokątnym lusterku. Wygląda, jakby zastanawiała się nie tyle nad swoim wyglądem, ile nad samą istotą życia, jego sensem. To znakomity wybór, jeśli szukasz obrazów na ścianę do sypialni.

Jerzy Nowosielski - AKT Z LUSTERKIEM, 1997
Jerzy Nowosielski – AKT Z LUSTERKIEM, 1997

Inną, niezwykle frapującą pracą Nowosielskiego, którą można znaleźć w naszej internetowej galerii sztuki, jest „Akt z miastem”. Przedstawiona na tym sitodruku kobieta siedzi nago w oknie, z którego rozpościera się miasto, uproszczone, o fabrycznym, industrialnym charakterze. Kontur podkreślający jej ciało nadaje kompozycji abstrakcyjnych, odrealnionych cech.

Jerzy Nowosielski - AKT Z MIASTEM, 1999
Jerzy Nowosielski – AKT Z MIASTEM, 1999

Akty Jerzego Nowosielskiego, tworzone w technice serigrafii, czyli sitodruku, to prace o wyjątkowej wymowie. Nieco odrealnione i abstrakcyjne, zachwycają przede wszystkim swoim nostalgicznym charakterem i wrażliwością. Wspaniale będą się prezentować jako obrazy na ścianę w sypialni czy pokoju dziennym. To wybór idealny nie tylko dla miłośników sztuki nowoczesnej.

Sztuka prymitywna, czyli ja i mój wycinek świata

Sztuka prymitywna, czyli jaka? Czasem nazywana naiwną, ale przede wszystkim fascynująca, szczera, bezpośrednia i płynąca prosto z serca. Nasza internetowa galeria sztuki to miejsce, w którym znajdziecie wiele wspaniałych przykładów dzieł, które składają hołd temu kierunkowi. Sprawdź, jaka jest jego geneza!

Sztuka prymitywna, czyli jaka?

Prymitywizm to kierunek w sztuce, który stał się bardzo popularny w okresie boomu na XX-wieczną awangardę spod znaku surrealizmu i dadaizmu. Początkowo określał twórczość nieprofesjonalnych artystów, ale do sztuki prymitywnej należą również płótna stylizowane na naiwne. Czym się charakteryzują takie obrazy? Przede wszystkim tym, że przypominają malunki dzieci, w których perspektywa jest zdeformowana, a postaci ludzkie często są pozornie nieudolnie przedstawione. Pierwszym artystą naiwnym, który zyskał ogromną sławę, był Henri Rousseau, zwany Celnikiem, autor takich dzieł, jak „Głodny lew”.

Mariusz Kot - Improvizacja V
Mariusz Kot – Improvizacja V

 

Cechy malarstwa naiwnego

Obrazy ręcznie malowane, zgodne z założeniami prymitywizmu, przede wszystkim są bardzo symboliczne. Rzeczywistość obrazują w uproszczony sposób, bez przykładania wagi do szczegółów anatomicznych. Kolorystyka opiera się na radosnych pastelach albo wręcz przeciwnie – na przybrudzonej, ciemnej tonacji, która przypomina przypadkowo zmieszane ze sobą farbki plakatowe.

Anna Jakubowska - Wariacje 2
Anna Jakubowska – Wariacje 2

 

Prymitywizm – współczesne przykłady

W naszej internetowej galerii sztuki (https://www.gallerystore.pl) znajdziesz wiele przykładów współczesnej sztuki prymitywnej. Tworzona przez doświadczonych i utalentowanych artystów, którzy celowo decydują się na uproszczenie środków wyrazu, stanowi świetny sposób na urozmaicenie wnętrza salonu czy sypialni. Przykładem może być obraz na płótnie „Domy z Ptakiem” Wojciecha Gurawskiego, akwarela „Improwizacja V” Mariusza Kota czy olej „Wariacje 2” Anny Jakubowskiej. Lidia Oleszczuk w „Santa Muerte” nawiązuje do surrealistycznego prymitywizmu rodem z płócien Fridy Kahlo.

Wojciech Gurawski - Domy z Ptakiem
Wojciech Gurawski – Domy z Ptakiem

 

Sztuka prymitywna to obrazy, z których bije szczerość. Uwodzą swoją bezpośredniością w oddawaniu różnego rodzaju tematyki, od lekkiej po poważną, nawet taką, jak ból czy śmierć. Obrazy ręcznie malowane, utrzymane w tej stylistyce, pasują zarówno do salonów boho, jak i minimalistycznych czy klasycznych pomieszczeń.

Lidia Oleszczuk - Santa Muerte
Lidia Oleszczuk – Santa Muerte

Frida Kahlo inspiracją dla współczesnych artystów

Frida Kahlo była jedną z najbardziej fascynujących postaci w historii sztuki. Jej życiowe problemy w połączeniu z prawdziwym talentem zaowocowały obrazami na płótnie, które frapują i nie dają o sobie zapomnieć. W jaki sposób dorobek tej meksykańskiej malarki wpływa na współczesnych twórców?

Frida Kahlo – ból i pasja

Frida Kahlo była meksykańską malarką, której fascynująca twórczość łączy elementy sztuki prymitywizmu, folku i surrealizmu. Głównym wątkiem był ból. Nie bez przyczyny – Frida cierpiała na problemy zdrowotne (w wieku 6 lat zachorowała na polio), a jako nastolatka uległa wypadkowi komunikacyjnemu, który do końca życia przekreślił szanse na macierzyństwo i pełną sprawność. Frida przez większość dorosłego życia związana była z meksykańskim artystą Diego Riverą, z którym tworzyła burzliwy i barwny związek. Malarka miewała też homoseksualne romanse z wieloma innymi kobietami, w tym między innymi z aktorką Josephine Baker.

Paweł Dąbrowski - Frida i Dali, na zawsze razem
Paweł Dąbrowski – Frida i Dali, na zawsze razem

 

Surrealistyczny świat Fridy

Obok malarstwa Fridy trudno przejść obojętnie. Nasycone kolory, pozornie naiwnie oddana rzeczywistość, surrealistyczne motywy na pierwszy rzut oka kojarzą się z ilustracjami bajek dla dzieci. Wystarczy jednak uważniej przyjrzeć się tym płótnom, żeby zauważyć, o czym opowiadają: o niespełnionym macierzyństwie, uzależnieniu od toksycznego związku, o cierpieniu fizycznym, feminizmie i politycznej rewolucji. Na obrazy przenosi swoje sny i ludowe wierzenia.

 

Paweł Dąbrowski - Trzecia z czterech
Paweł Dąbrowski – Trzecia z czterech

 

Frida inspiracją

Współcześni artyści chętnie sięgają do dorobku i życiorysu Fridy, traktując je jak prawdziwą kopalnię inspiracji. Nowoczesne obrazy do salonu nawiązujące do meksykańskiej malarki tworzy, chociażby Paweł Dąbrowski, autor takich prac, jak „Trzecia z czterech”, „Kotka dla Fridy” czy „Pan od miodu”. Pojawiają się w nich nie tylko postać samej Kahlo, ale przede wszystkim charakterystyczna dla niej paleta barw. Gratka dla miłośników malarstwa? Płótno, na którym Dąbrowski uwiecznił Fridę Kahlo i Salvadora Dali, twórców uznawanych za największych wizjonerów w sztuce XX wieku.

Obrazy olejne stanowiące hołd dla Kahlo to znakomity wybór do pomieszczeń, w których chcemy stworzyć przytulną atmosferę albo do mieszkań utrzymanych w stylu boho.

 

Paweł Dąbrowski - Frida komunistka
Paweł Dąbrowski – Frida komunistka

 

Frida Kahlo to postać barwna i wielowymiarowa – tak, jak jej obrazy olejne. Nic więc dziwnego, że jej twórczość tak mocno wpłynęła na historię sztuki i do dziś pozostaje źródłem inspiracji. Współczesne obrazy na płótnie nawiązujące do życia i twórczości Fridy warto mieć w swoim salonie czy kuchni.

Czym charakteryzuje się malarstwo figuratywne?

Jeśli interesujesz się sztuką albo właśnie planujesz rozpoczęcie swojej przygody z kolekcjonowaniem dzieł sztuki, na pewno trafiłeś na pojęcie „malarstwo figuratywne”. Co się za nim kryje i dlaczego warto zainwestować w obrazy malowane zgodnie z nurtem figuratywizmu? Sprawdzamy na przykładzie dzieł z naszej internetowej galerii sztuki.

Malarstwo figuratywne – co to takiego?

Figuratywizm to jeden z nurtów w malarstwie, polegający na przedstawianiu przedmiotów, ludzi i zwierząt w ich naturalnych wymiarach. Ten kierunek w sztuce, uznawany za przeciwieństwo abstrakcjonizmu, rozwinął się w pierwszej połowie XX wieku, a potem wrócił do łask w latach 70. Dziś również wielu malarzy odwołuje się do figuratywizmu, tworząc swoje interpretacje świata na płótnie. Tworzone w tym stylu obrazy, mają często bardzo ekspresyjny charakter i bazują na elementach pozornego chaosu. Figuratywizm jest też nurtem w rzeźbie.

Przykłady malarstwa figuratywnego

Tematyką często poruszaną w malarstwie figuratywnym jest relacja człowieka z miastem, pełna niczym nieskrępowanej dynamiki. Na obrazach nowoczesnych Joanny Rzeźnik, Marcina Kędzierskiego czy Filipa Warzechy ludzie wydają się być zatrzymani w pędzie, w swoich codziennych, ulubionych rozrywkach. Tego rodzaju płótna mogą mieć bardziej uproszczony charakter, bazujący na płaskich, intensywnych plamach koloru, ale mogą być też realistyczne, dopracowane w najdrobniejszych szczegółach. Przykładem może być, chociażby olej Olgi Prokop-Miśniakiewicz „bez tytułu”, przedstawiający pochyloną nad napojem dziewczynę, śmiało łapiącą kontakt wzrokowy z obserwatorem.

Filip Warzecha - Nowa Oranżeria, Łazienki Królewskie
Filip Warzecha – Nowa Oranżeria, Łazienki Królewskie

W centrum zainteresowania malarzy figuratywnych może też znaleźć się kobieta: zachwycająca, tajemnicza, zmysłowa. Takie prace jak „Passe simple” Joanny Sadeckiej czy „Blue Thoughts” Izabeli Wolskiej to najlepszy przykład bardzo sensualnych płócien, wprost stworzonych do budowania odpowiedniej atmosfery w sypialni.

Izabela Wolska - Blue Thoughts
Izabela Wolska – Blue Thoughts

Figuratywizm, a obrazy do kuchni

Figuratywizm może być też symboliczny. Zwyczajne przedmioty, przedstawione z taką uwagą i pieczołowitością, jak w przypadku oleju „Gruszki miłości (bakłażany)” Marcina Paproty, zyskują niemal magiczne cechy. Takie dzieło może być świetną propozycją na obraz do kuchni, ale – oderwane od swojego kontekstu – równie dobrze może sprzyjać dwuznacznym refleksjom.

Marcin Paprota - Gruszki miłości (bakłażany)
Marcin Paprota – Gruszki miłości (bakłażany)

Efektowne, sprzyjające refleksji i namysłowi nad zamierzeniami artysty – takie jest malarstwo figuratywne. Warto dać mu szansę i znaleźć w swoim domu miejsce na obrazy stworzone zgodnie z założeniami tego kierunku. Najpiękniejsze propozycje znajdziesz w naszej internetowej galerii sztuki.

Kiedy film inspiruje malarstwo: filmowe odniesienia na obrazach

Artyści od zawsze wzajemnie się inspirowali, tworząc nawiązujące do siebie teksty kultury. Wspólne wątki literatury, rzeźby czy muzyki to tło, na którym powstało niejedno wybitne dzieło. Nas interesuje dziś sposób, w jaki malarstwo współczesne odnosi się do świata filmu. Przekonaj się o tym, podziwiając prace z naszej internetowej galerii sztuki i wybierając dla siebie obrazy, które najlepiej odzwierciedlają Twój gust filmowy.

Z filmu na płótno

Sztuka nowoczesna szczególnie chętnie odwołuje się do motywów z kina, na swój sposób interpretując kultowe sceny. Przykładem może być, chociażby akwarela „Holly śpiewa Moon River” czy „Holly z kotem w kuchni”, nawiązujące do jednego z najsłynniejszych filmów wszech czasów – „Śniadania u Tiffany’ego” z niezapomnianą Audrey Hepburn. Aktorka ta inspiruje zresztą sama w sobie, czego przykładem może być akwarela Pawła Dąbrowskiego, zatytułowana po prostu „Audrey”.

Marcin Kędzierski - Holly z kotem w kuchni
Marcin Kędzierski – Holly z kotem w kuchni

Malarstwo współczesne kocha postmodernistyczne kolaże, miksujące wątki i teksty kultury. Wystarczy spojrzeć na obraz olejny Janusza Orzechowskiego „Famous”, w którym pojawia się i Marylin Monroe ze sceny w metrze z filmu „Słomiany wdowiec”, i starożytne, klasyczne rzeźby. Takie obrazy malowane z pewnością zachwycą każdego fana popkultury.

Janusz Orzechowski - Famous
Janusz Orzechowski – Famous

Polskie akcenty

Miłośnikom polskiej kinematografii z pewnością przypadnie do gustu praca Kędzierskiego „Poldek z milicjantem na plaży”, przedstawiająca końcową scenę z filmu Stanisława Jędryki „Podróż za jeden uśmiech” z 1971 roku. Takie prace to świetny pomysł na obrazy na prezent, zwłaszcza dla zadeklarowanych wielbicieli talentu aktorskiego Henryka Gołębiewskiego.

Marcin Kędzierski - Poldek z milicjantem na plaży
Marcin Kędzierski – Poldek z milicjantem na plaży

Malarstwo współczesne i kino idą w parze, a najlepszym tego przykładem jest sztuka nowoczesna prezentowana w naszej internetowej galerii sztuki. Wybierając obrazy malowane do swojego salonu czy jadalni, tym razem pokieruj się swoim gustem filmowym, a efekt zaskoczy nie tylko Ciebie, ale też Twoich gości!