W twoim mieście

Wystawa Przybylskiego i Duchowskiego stanowić będzie próbę nakreślenia, zbadania chybotliwej granicy pomiędzy realnością a mistyfikacją. Artyści opowiedzą dwie równoległe historie, które połączy zagadnienie prawdziwości i falsyfikatu, realności zdarzeń i wprowadzenie w nią świadomej nieciągłości. Ich realizacje stanowią próbę uchwycenia prawdy o rzeczywistości, wyłuskania tego, co cenne w zalewie obrazów i informacji. Artyści stają się reportażystami z czasów natrętnej wizualności. Snują opowieści będące efektem gromadzenia danych, nakładania się na siebie kolejnych obrazów/przekazów, ale jednocześnie zawieszonych pomiędzy prawdą a fikcją.

Wojciech Duda (ur. 1964 r. w Szczecinie); absolwent Wydziału Malarstwa, Grafiki i Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu (dyplom 1995). Od 1995 roku jest pedagogiem na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu. Od 2002 współtworzy grupę artystyczną Wunderteam (z Rafałem Jakubowiczem i - od 2005 roku - z Maciejem Kurakiem, wcześniej również z Pawłem Kaszczyńskim oraz zmarłym w 2005 roku Włodkiem Filipkiem). W 1995 roku otrzymał Stypendium im. Marii Dokowicz za pracę dyplomową, a w 1996 roku Stypendium Artystyczne Miasta Poznania dla młodych twórców.

2 grudnia w Amaristo Galeria Przy Teatrze w Warszawie odbył się wernisaż wystawy „Jasinski&friends II”. Wystawę będzie można zobaczyć do końca stycznia 2014 roku. Kuratorem i pomysłodawcą ekspozycji jest Dominik Jasiński, jeden z najzdolniejszych malarzy młodego pokolenia.

Mama, malarka i marketingowiec, rocznik 1975. Mieszkanka i miłośniczka Warszawy. Maluje od zawsze, z wykształcenia jest plastykiem wystawiennikiem. W swoich pracach posługuje się głównie techniką malowania farbami akrylowymi, miesza też technikę malarską z grafiką, tak wiec miks farby, kredki i piórka. Tematyka, która jest najbliższa Artystce to studium osobowości kobiety. Ulubione motywy - kobieta, czaszka, rogi, lalka.


„Perfekcjoniści” to temat przewodni konkursu, wystawy pokonkursowej oraz specjalnej limitowanej publikacji dostępnej w wybranych salonach Empik (lista Salonów dostępna na www.modessqe.com). Temat został zainspirowany odkryciem przez brytyjską antropolożkę nowej grupy społecznej - Młodych Eksperymentujących Poszukiwaczy Doskonałości (Young Experimenting Perfection Seekers - w skrócie YEPPIES). W eksplorowaniu tematu perfekcjonizmu wzięli udział artyści z całego świata.

IV edycja „SZTUKOBRANIA” to zupełnie nowa odsłona wydarzenia, w którym swoje prace zaprezentują nie tylko najlepsi młodzi artyści z Polski, studenci i absolwenci uczelni artystycznych, ale również twórcy niezależni i wyjątkowo utalentowani. Różnorodność Targów podkreślą reprezentując różne style, szkoły i środowiska artystyczne. „SZTUKOBRANIE” to dwudniowe wydarzenie skupiające w jednym miejscu grupę znakomitych - młodych nie tylko wiekiem, ale i duchem - twórców sztuki współczesnej, umożliwiające nawiązanie kontaktów z klientami, kolekcjonerami oraz galeriami.

Dla Witolda Stemachniewicza montaż jest bez wątpienia elementem konstytutywnym obrazów. Artysta konstruuje je nie poprzez przedstawianie i rozmieszczenie samych elementów, ale poprzez ich różnice, wzajemne zderzenia, konfrontacje, konflikty. Tak rozumiany montaż jest pokazywaniem o tyle, o ile obraz rozdzielamy na części. Niczego nie ułożymy bez wcześniejszego procesu rozłożenia. Montujemy o tyle, o ile ukazujemy nowe obrazy we wspólnym zetknięciu. Montaż wydobywa i spaja heterogeniczne formy, nie zważając na skalę wielkości czy przypisaną im wcześniej hierarchię i intencję. W filozofii Waltera Benjamina każda intencja umiera, a prawda dzieli się na nieruchome, otoczone aureolą idee - obrazy. "Funkcjonują one w ramach publicznego procesu jako dialektyczne figury trwającego eksperymentu."

Yinka Shonibare zaliczany jest do artystów, których twórczość konsekwentnie skupia się wokół określonych zagadnień – w tym wypadku – zagadnień związanych z kolonializmem brytyjskiego imperium, co równocześnie uruchamia współczesną złożoność problematyki postkolonializmu.

Można być zabieganym całe życie i wcale go nie zauważyć, jak mija. Można też kontemplować, chłonąć każdą chwilę, niemal wsysać w siebie kolejne zachwyty nad widokiem z okna, ławki w ogrodzie, czy też z brzegu morza. Można patrzeć w dal, uciekać w oderwanie od rzeczywistości. Można też używając elementów rzeczywistości dokonywać kolejnych selekcji, wyciągać meritum i budując poprzez kolor, strukturę, czy formę swoją deklarację miłości, umiłowania tego wszystkiego, co ważne, co jest życiem – dla artysty na przykład.

Niezwykłą kolekcję obrazów, które udało się artyście zachować, będzie można zobaczyć na wystawie pt. "Okna do Boga" prezentowanej w Muzeum Niepodległości w Warszawie. Żywe, kipiące barwami krajobrazy porównane zostały przez rzeźbiarza Maksymiliana Biskupskiego do „okien do Boga”bowiem dzięki nim Stwórca – „wieczny Ogrodnik rajskiego ogrodu” – zagląda do naszych serc. Jak powiedział artysta „w obrazie powinna być i poezja i muzyka i architektura”. Krajobrazy przedstawiają subiektywnie widziane zakątki Kazachstanu i Rosji. Przedstawione na nich: zieleń, niebo, domy tętnią życiem, zaskakują intensywnością barw. Dzięki kładzionym grubymi warstwami farbom, obrazy zyskują trzeci wymiar, obłoki i drzewa zdają się „wychodzić” z płótna, zapraszając widza do niepowszedniego spojrzenia na świat.

Gra o grafikę toczy się od dawna na wielu polach i nadszedł wreszcie czas, aby powiedzieć jasno i wyraźnie to, o czym dotąd jedynie marzyliśmy. Tak, kochamy grafikę i chcemy, by inni ją pokochali! Tak, to właśnie grafika, łącząc moment z wiecznością, technikę z kunsztem, kunszt z improwizacją otwiera nas na antynomie świata płynnej nowoczesności i teraz chcemy, by innych na ten świat otworzyła!

Tytuł wystawy "Ruja i porubstwo" jest sformułowaniem jakiego użył Henryk Sienkiewicz określając twórczość młodego pokolenia artystów tworzących w duchu młodopolskim. Okres ten uznawany za najbardziej płodny czas rozwoju kultury i sztuki polskiej, miał swój początek w Krakowie. Był to również czas najszerzej opisywanych w literaturze przyjęć, skandali i przedsięwzięć artystycznych. Minęło ponad sto lat, a w Krakowie nadal w dużych ilościach spożywa się wyskokowe trunki, przesiaduje w niewielkich knajpkach, dywaguje się nad istotą sztuki odpalając papierosa od papierosa. Kłóci się, obmawia, godzi, współpracuje i zazdrości. Tylko romanse wydają się być mniej płomienne. Wszystko toczy się swoim krakowskim tempem.

Interferencje / Interferenzen to unikatowe przedsięwzięcie artystyczne angażujące artystów z Polski i Niemiec. Multidyscyplinarna wystawa, w której udział weźmie 16 młodych twórców sprowokować ma dyskusję wokół procesu powstawania dzieła sztuki we współczesnej Europie. Projekt ma na celu również znalezienie odpowiedzi na pytania o znaczenie uwarunkowań geograficznych, finansowych, politycznych, genealogicznych i historycznych, o rolę miejsca urodzenia artysty, jego zaplecze finansowe, wsparcie ze strony państwa, o motywacje i inspiracje twórców oraz o to, czy we współczesnym zalewie informacji i obrazów oraz nadprodukcji sztuki można zachować niezależność twórczą?

Diana Fiedler (ur. 1976 w Górze); studiowała w Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Dyplom obroniła na Wydziale Edukacji Artystycznej; praca magisterska napisana pod kierunkiem prof. Jaromira Jedlińskiego (2000). Dyplom z Rysunku i Grafiki warsztatowej w pracowniach prof. Jarosława Kozłowskiego i prof. Mirosława Pawłowskiego (2002). W latach 2008-2010 studiowała w Royal College of Art w Londynie. W latach 2006-2008 współprowadziła (wraz z Mikołajem Polińskim) Galerię Aneks w Poznaniu.

Marta Konarzewska - warszawianka, rocznik '79. Z wykształcenia plastyk, od ponad dziesięciu lat zajmuje się projektowaniem grafiki użytkowej, rysowaniem i ilustracją. Jej prace pojawiły się w Chimerze, Twoim Stylu, Gazecie Wyborczej i Zwierciadle. Technika, w której pracuje to albo kameralny rysunek piórkiem na starym papierze, albo większy format - akryl na płótnie. Na obrazach Konarzewskiej pojawiają się głównie kobiety i to kobiet możemy spodziewać się na listopadowej wystawie w Skwerze zatytułowanej "Zawsze coś".

W najogólniejszym ujęciu malarstwo Michała Misiaka jest zaliczane do nurtu geometrycznego. Mechanizm działania jego obrazów jest analogiczny do tego, jakiego używali klasycy op–artu: przebieg blisko położonych równoległych, lub przecinających się gęsto linii, wprawia powierzchnię w wibrację, odsłaniając względność dwuwymiaru. Ujawniają się przestrzenie istniejące nie na zasadzie wzajemnego rozmieszczenia przedmiotów w perspektywie, nie „wymalowane na obrazie”, lecz wprost wyrażane przez obraz.

Camerimage to festiwal operatorów - ludzi po tej drugiej stronie, którzy są dziś nie tylko rzemieślnikami, ale również profesjonalistami. Muszą śledzić najnowsze technologie jednocześnie nie tracąc wrażliwości na plastyczność obrazu. W nawiązaniu do warsztatowego charakteru festiwalu na wystawie Janusza Kaniewskiego dominują prace work in progress. Nie są one ułożone chronologicznie czy według klientów, natomiast pokazują przekrój technik ilustracji używanych do poszukiwania i prezentacji pomysłu na przedmiot: 3d, Photoshop, Modele, Flamastry, ołówek Karisma. Projektant chciał pokazać, że tak jak w filmie pierwsze ujęcie może być doskonałe, tak i w designie czasem jeden rysunek wystarczy, żeby powstała cała koncepcja projektu. Bywa jednak też tak, że wykonuje się setki szkiców, by nie wybrać żadnego.

Stanisław Wejman urodził się w Jędrzejowie w 1944 roku. Grafik-malarz. Profesor ASP w Krakowie, gdzie prowadzi Pracownię Miedziorytu. Od 1967 roku bierze udział w zbiorowych i międzynarodowych pokazach grafiki, jednak najchętniej wystawia swe prace sam albo wspólnie z żoną Anną – również grafikiem.

Są różne typy zbieraczy. Amatorzy z definicji swoje kolekcje tworzą wedle zasady „podoba mi się, nie podoba”. Niektórym jednak nie chodzi już o piękno samego zdjęcia, ale raczej o to, kto na nim jest, a właściwie „jak wygląda”. Są to zbieracze ciał. Część z nich również fotografuje – czasem ukradkiem, pokątnie, częściej spędzając miły czas z modelką czy modelem sam na sam. Inni obiekty gromadzą – plakaty, fotografie – pieczołowicie wycinane z pism i gazet, kalendarze okolicznościowe, pocztówki. Obecnie swoje zbiory tworzą zazwyczaj w oparciu o zasoby cyberprzestrzeni. W specjalnych folderach XXX zapisują fotki wyłowione z sieci.

Twórczość Anny Baumgart zaliczana jest do nurtów sztuki krytycznej i sztuki feministycznej. Artystka podejmuje w swoich pracach tematy trudne i traumatyczne, patrzy ostrym, krytycznym okiem na schematy i stereotypy społeczne, na kwestie związane z niesprawiedliwością i relacjami władzy. Wystawa prac artystki zostanie otwarta 14 listopada o godz. 19.00 w Galerii Labirynt.